Festival du film de Tokyo 2025 : « Sato et Sato », « Blue Boy Trial », « Poca Pon », « Blonde » | Festivals et récompenses

Il est facile de se perdre à Tokyo si l’on ne sait pas où l’on va. Les adresses postales sont approximatives et les bâtiments s’étendent verticalement vers le haut et vers le bas, de sorte que l’endroit que vous recherchez n’est probablement pas visible depuis le trottoir. Cela est vrai même pour les salles de cinéma, qui sont rarement des bâtiments autonomes à Tokyo ; une seule des salles du festival TIFF de cette année, le charmant rétro CineSwitch Ginza, était accessible depuis la rue. Le reste faisait partie de complexes plus vastes, de bâtiments polyvalents abritant également des bars, des bureaux et des centres commerciaux omniprésents. (Parfois, la ville entière ressemble à un centre commercial géant.) L’un d’entre eux se trouvait même, très commodément, à deux étages d’un restaurant de sushi à tapis roulant.

Une fois que vous avez trouvé un endroit, il est possible, même si ce n’est pas facile, de le retrouver. Mais lorsque vous assistez à un festival de cinéma au Japon, il est conseillé de prévoir un peu plus de temps lorsque vous prenez inévitablement le mauvais ascenseur ou que vous tournez dans la mauvaise ruelle à la recherche d’un lieu où vous n’êtes jamais allé auparavant. Il est utile que le Festival du Film de Tokyo soit présent dans les rues entourant ces lieux : en passant devant une banderole d’un bloc affichant des affiches pour chaque film au programme, ou une séance de questions-réponses se déroulant sur une scène temporaire au milieu d’une place publique, vous pouvez être rassuré d’être au moins dans le bon quartier.

Ensuite, le festival se fond dans le vacarme des jingles des pharmacies, des passages piétons gazouillants et des aboyeurs appelant les passants à entrer et à profiter de leurs restaurants, salons de karaoké et bars debout. Encore une fois, vous êtes seul. Mais lorsque l’on s’approche suffisamment de la salle, une autre voix rejoint le chœur, accompagnée d’un spectacle familier : un bénévole vêtu d’un sweat à capuche gris, accueillant les festivaliers tout en tenant une pancarte avec le nom du film d’aujourd’hui en anglais et en japonais. Si vous leur montrez votre badge et établissez un contact visuel, ils vous indiqueront où vous devez aller.

Le bruit de la rue disparaît lorsque vous entrez dans le théâtre, et le sentiment de sérénité qui s’ensuit n’est pas sans rappeler celui que vous ressentez en entrant dans l’intérieur feutré en bois d’un temple bouddhiste. Ce contraste entre l’extérieur et l’intérieur, le processus hyperstimulant de trouver votre destination et le soulagement agréable d’y arriver, est une expérience par excellence de Tokyo. Les Japonais ont également tendance à être plus prudents en public, mais les films japonais baissent leur garde dans l’obscurité sûre et enveloppante du cinéma.

C’est certainement le cas de mon film préféré du Festival du film de Tokyo de cette année, « Sato et Sato » un drame relationnel observé avec sensibilité et superbement exécuté par le réalisateur Amano Chihiro. Le film d’Amano aborde, sans jugement, une dynamique relationnelle dans laquelle il est particulièrement difficile pour les couples hétérosexuels de naviguer, non seulement au Japon, mais dans le monde entier : que se passe-t-il lorsqu’une femme éclipse professionnellement son partenaire masculin, le laissant se sentir inadéquat et laissé pour compte ?

Ici, cela arrive presque par hasard, puisque Sachi (Kishii Yukino) décide d’étudier pour l’examen du barreau aux côtés de son petit ami (et plus tard mari) Tamotsu (Miyazawa Hio). Elle essaie juste d’être un partenaire de soutien, mais alors que Tamotsu doit repasser l’examen plusieurs fois, Sachi réussit son premier essai. Les choses deviennent encore plus délicates lorsque Sachi accepte un emploi dans un cabinet d’avocats, proposant de subvenir aux besoins de leur nouvelle famille afin que Tamotsu puisse se concentrer sur ses études. Elle a de bonnes intentions, mais la voir vivre son rêve est indéniablement blessant pour Tamotsu, et Schi a du mal à maintenir son estime de soi au sein de leur seul mariage. Puis Sachi découvre qu’elle est enceinte, et le fossé entre le couple se transforme en canyon alors que Tamotsu devient à contrecœur un père au foyer.

Il existe une version de ce film où sa fierté blessée transforme Tamotsu en un imbécile chauvin, et “Sato et Sato” examine honnêtement comment les valeurs patriarcales et les pressions exercées sur Tamotsu en tant que fils aîné de sa famille contribuent à la lente érosion de la relation du couple. Mais Amano prend soin de ne jamais diaboliser l’un ou l’autre des partenaires. Au lieu de cela, nous voyons d’où viennent les deux côtés ; ni Sachi ni Tamotsu ne sont parfaits – il peut être prétentieux, tandis qu’elle se plonge dans son travail pour éviter les conflits – mais ce ne sont pas non plus de mauvaises personnes. En fin de compte, il n’y a personne à blâmer pour leur divorce, juste de la tristesse et des regrets persistants.

“Sato et Sato” est magnifiquement interprété, et le scénariste Makoda Kumagai remplit le scénario de nombreux détails ironiques : Le film “Félicitations !” Sachi essuie rapidement un gâteau après que Tamotsu ait échoué à l’examen du barreau la première fois, ou la serveuse âgée aux mains tremblantes qui apporte du café au couple lors d’un échange tendu dans un café. Ceux-ci brisent efficacement la tension, permettant à « Sato et Sato » de s’étendre et de se rétracter dans une symphonie d’émotion. Appeler cela une «« histoire de mariage » japonaise » n’est pas totalement erroné. Mais le film d’Amano opère sur un registre émotionnel plus subtil, moins voyant, et constitue à lui seul un film à part entière – le fait qu’il vienne d’un point de vue féminin le distingue également.

La performance de Kishii dans le rôle de Sachi dans « Sato et Sato » est extraordinaire. Mais une autre interprète qui m’a également marqué est Nakagawa Miyu et son monologue dans la salle d’audience à la fin de «Procès du Garçon Bleu.” Le film lui-même est un drame historique simple, produit indépendamment avec un budget modeste. (Heureusement pour le réalisateur Iizuka Kasho, certaines parties de Tokyo conservent encore l’ambiance de l’ère Showa du décor des années 60.) ” Blue Boy Trial ” est basé sur une histoire vraie, dans laquelle un médecin qui a pratiqué des opérations chirurgicales d’affirmation du genre a été arrêté et jugé en 1965 sous prétexte qu’il avait violé la loi japonaise sur la protection eugénique en stérilisant effectivement autrement. des personnes « fonctionnelles ».

Le procès était une tentative parallèle de réprimer les travailleuses du sexe trans qui, grâce à une faille dans la loi japonaise, ne pouvaient pas être incarcérées pour prostitution. Mais cela avait le potentiel de rendre interdits au Japon les soins d’affirmation de genre, qui jusqu’alors étaient techniquement autorisés dans une zone grise juridique similaire. C’est ainsi que les femmes trans ont été invitées à témoigner lors du procès du médecin, afin de prouver que leurs soins étaient médicalement nécessaires. Nakagawa – qui joue également un personnage nommé Sachi – est le témoin vedette, et son arc émotionnel alors qu’elle passe d’un décès discret à une affirmation publique de son identité trans est à la fois convaincant et profondément touchant. (J’ai peut-être un peu pleuré lors de son grand discours à la fin du film.)

Elle est encore plus impressionnante si l’on considère qu’il s’agit de son premier rôle au cinéma : elle a été découverte lors d’une audition ouverte, dans le cadre de l’engagement du réalisateur Iizuka à intégrer des personnes trans dans ses films. Iizuka lui-même est un homme trans – son premier film, « Our Future » de 2011, était basé sur ses propres expériences de vie – et une voix vitale dans un pays où, même s’il a progressé en termes d’acceptation sociale des personnes trans, les protections juridiques sont encore en pleine évolution.

Un autre film indépendant japonais au budget modeste qui s’est démarqué au Festival du film de Tokyo de cette année était “Poca Pon” un film dont la biographie du réalisateur précise qu’il a toujours un travail quotidien. Le deuxième long métrage du scénariste-réalisateur Ohtsuka Shin-ichi est également basé sur une histoire vraie, quoique bien plus horrible que l’inspiration d’Iizuka pour « Blue Boy Trial » : « Poca Pon » contient des éléments tirés des meurtres d’enfants de Kobe, dans lesquels un garçon de 14 ans a assassiné deux enfants plus jeunes et a été libéré après avoir purgé un peu moins de sept ans de prison pour ces crimes.

Le film d’Ohtsuka n’est pas une procédure, bien qu’il contienne des scènes choquantes illustrant les crimes de son tueur en série autrefois incarcéré, qui, au début de l’histoire, emménage à côté d’une mère célibataire et de ses deux fils dans un immeuble ouvrier anonyme. Au lieu de cela, Ohtsuka décrit « Poca Pon » comme une sorte de thriller moral, explorant les sombres dimensions psychologiques de ce qui pourrait arriver si un meurtrier décidait de devenir une personne vertueuse – non pas par véritable contrition, mais comme une forme sadique de punition pour les familles de ses victimes.

Cette dynamique vient bouleverser la vie dans une scène où la mère d’un garçon assassiné s’effondre dans l’angoisse après avoir appris que l’assassin de son fils est un végétarien qui ne mange pas de viande pour des raisons morales : la vie de son fils ne valait-elle pas plus que celle d’une vache ou d’un cochon ?, pleure-t-elle. La relation entre Shinichi (Ozeki Shinji), alias le fameux « Boy A », et Kenta (Konosuke Harada), le voisin adolescent de Shinichi, qui pense qu’il est un gars plutôt cool, complique encore davantage le film. Il est certainement plus attentif que la mère alcoolique de Kenta.

Combinant drame familial, commentaire social et psychologie déviante, « Poca Pon » m’a rappelé à bien des égards le travail de Kiyoshi Kurosawa, jusqu’à un point d’intrigue énigmatique où Kenta et sa famille sont lentement rendus fous par un bruit mystérieux venant de l’appartement de Shinichi. La cinématographie, pleine de plans menaçants de passages en béton vides et de lits de rivières boueux, parvient à évoquer les nuances sinistres du film au milieu de son décor ordinaire, aidée par une partition déchirante du musicien de jazz Kikuchi Karioshi. Les fans de Kurosawa devraient vraiment l’adopter s’il assure une distribution à l’étranger.

Et bien que des éléments de sa satire sociale soient très spécifiquement japonais, j’ai pu voir également un potentiel à l’étranger pour le lauréat du prix du public du Festival du film de Tokyo de cette année, « Blonde ». Le film du scénariste-réalisateur Sakashita Yuichiro s’intéresse aux manières spécifiques dont la tendance japonaise à « s’entendre pour s’entendre » peut conduire à l’apathie et à l’auto-indulgence. Il le fait à travers le personnage d’Ichikawa (Iwata Takanori), un professeur de collège qui, au début de l’histoire, informe le public que l’éducation est le fondement de la société japonaise et qu’il fait donc tourner le pays tout seul.

Avec « Blonde », Sakashita accomplit la tâche difficile de créer une voix off étendue pour aider plutôt que de nuire à son film, en utilisant une écriture et un montage précis qui mettent en valeur le contraste ironique entre l’image de soi d’Ichikawa et la réalité de sa situation. C’est un personnage paresseux et apitoyé dont la vanité et le manque de caractère moral sont joués pour rire, un bouffon qui est agacé lorsque ses élèves se lancent dans un acte de protestation collective parce qu’il est en train de regarder une série animée en rafale et qu’il n’a vraiment pas le temps de s’impliquer dans quelque chose comme ça en ce moment.

Pourtant, par pure inertie – sans parler de sa terreur d’être considéré comme vieux et déconnecté – Ichikawa finit par s’associer au leader de la manifestation, Midori (Shiratori Tamaki), pour changer les règles de l’école (et sauver le travail d’Ichikawa dans le processus). Les séquences ridiculisant l’absurdité kafkaïenne de la bureaucratie scolaire japonaise pourraient mieux trouver un écho auprès du public local ; les critiques japonais lors de ma projection P&I semblaient certainement les apprécier. Mais il y a aussi un élément de passage à l’âge mûr dans “Blonde” qui fera grincer des dents les trentenaires du monde entier.

L’esprit satirique de Sakashita fait de « Blonde » une expérience visuelle extrêmement divertissante, pleine du genre de répliques concises que vous répétez à vos amis en sortant du théâtre. Une blague en particulier a suscité un grand écho lors de la projection à laquelle j’ai assisté : au milieu du film, Ichikawa et Midori se retrouvent dans une salle de cinéma. Ils chuchotent pendant les avant-premières, mais quand le film commence, Ichikawa se lève pour partir. “Tu ne vas pas rester pour le film ?” » demande Midori. “Je ne regarde que des films sur mon téléphone”, répond Ichikawa, gonflé d’une fierté idiote et non méritée. C’est le genre de blague qui va faire rire les critiques de cinéma du monde entier.