Kviff 2025: Voix cassées, par amour, ne m’appelle pas maman | Festivals et récompenses

Alors que le Karlovy Vary International Film Festival commence, tous les yeux sont sur les dix longs métrages en compétition pour le prestigieux Crystal Globe, le prix principal du festival. Dans les éditions précédentes du Film Festival, qui décerne ce prix depuis 1948, de nombreux films ont ensuite été reconnus comme des œuvres influentes bien-aimées du cinéma mondial sont devenues triomphantes dans ce concours, parmi lesquelles «Kes» de Ken Loach, «Amélie» par Jean-Pierre Jeunet, et – plus récemment – «Je ne me soucie pas si nous allons dans l’histoire en tant que Barbarians», par radu jude.

Les membres du jury de Crystal Globe cette année incluent le producteur mexicain Nicolás Celis («Roma»), le cinéaste Babak Jalali («Fremont»), le cinéma et programmeur Jessica Kiang, le cinéaste tchèque Jiří Mádl («Waves»), et l’actrice suédoise et réalisateur Tuva Novotny («Blind Point»). Alors que les membres du jury sont assermentés de secrets jusqu’à ce que leurs décisions finales soient rendues plus tard dans le festival, un si profond banc de talents d’industrie cinématographique sur le jury de cette année – à couplé à la diversité des films en compétition – a sûrement déjà conduit à une discussion fascinante, semblable à celle qui peut être trop taillé dans les patios du restaurant, les barres de cocktail et les pertes de festival tout au long de KarLovy.

Avec plus de la moitié des films en concurrence pour le Crystal Globe qui n’a pas encore été présenté, il est pratiquement impossible à ce stade précoce du festival d’évaluer qui se présentent les plus grandes chances de reconnaissance de ce panel de juges estimable. Mais les films qui ont déjà projeté en ville voient le festival de cette année à un début de manière caractéristique.

De cette première vague de films de compétition à Karlovy ne varie, aucun n’a été aussi émotionnellement résonnant ou tranquille «Des voix brisées», “ Le compte rendu exceptionnel et sobre d’Ondřej Provazník du pouvoir et du silence dans la section des concerts d’élite d’une chorale des filles tchèques. Soutenir une note tendue d’agonie et de désespoir si longtemps que cela m’a laissé à bout de souffle, il décrit habilement les lignes floues et les déséquilibres nuls où les abus peuvent s’élever dans les environnements académiques.

Situé au début des années 1990, le film a été inspiré par le cas réel de Bambini di Praga, une célèbre chorale des enfants tchèques dirigée depuis longtemps par Bohumil Kulínský Jr., qui a finalement été arrêtée et reconnue coupable d’avoir abusé sexuellement des mineurs de 20 ans. Mais même sans ce contexte historique, que le film ne reconnaît pas directement, Promazník a conçu une exploration fascinante de la façon dont les hiérarchies sociales et artistiques entrelacées, avec leurs règles non écrites et leurs dynamiques de pouvoir, peuvent transformer un tel microcosme culturel en un système de complicité.

Au centre du film se trouve Karolína, 13 ans (une merveilleusement expressive Kateřina Falbrová), qui rêve de chanter dans la section de concert à côté de sa sœur de 15 ans, Lucie (Maya Kintera). Elle veut non seulement réussir à rejoindre la section, mais aussi pour obtenir une place dans une plus petite délégation qui voyagera avec la chorale lors d’une tournée internationale, partant de leur République tchèque natale pour des apparitions de concert dans les grandes villes américaines. Bien sûr, elle sait que la sélection la nécessitera de capter l’attention de leur charismatique mais caprimater le maître.

Cette figure d’autorité, Mácha Vitek (Juraj Loj), donne le ton au groupe lors de ses répétitions exigeantes, souvent en fustigeant les retardataires et en distinguant ceux même légèrement décalés. Mais il est tout aussi flatteur pour ceux qui ont ses bonnes grâces. Et il semble trop encourageant pour les jeunes étudiantes en compétition pour attirer son attention, à un tel degré que deux des filles plus âgées ont commencé à compter le nombre de fois où il jette un coup d’œil dans la direction des élèves particuliers, pensant que cela reflètera leurs placements. Ceux qui travaillent pour construire une charge coquette entre l’élève et l’enseignant, ils insinuent, seront probablement le plus récompensés. Le fait que Vitek s’impose aux filles est difficile à manquer, mais ce que sa présence autocratique tire des filles – un vol et une compétition ferrovices, mais aussi la peur, le désir et la honte – est plus difficile à analyser.

Après que Vitek ait remarqué que Karolína pratiquait et l’invite bientôt à servir de suppléant, se joignant à la section des concerts pendant plusieurs semaines de répétition dans un lodge de ski éloigné, elle est ravie – même si les autres filles indiquent qu’elles ne font pas attention à l’attention qu’elle reçoit. Une nuit, alors qu’elle informe, un tourmentor invisible vole ses vêtements et ses serviettes, la forçant à courir nue dans sa chambre dans le froid tremblant. Même Lucie, qui a grandi de Vitek, est finalement obligée de saboter sa sœur, bien que les «voix brisées» laissent de la place à l’ambiguïté quant à ses motivations pour le faire.

Il en va de même pour le film de Promazník dans son ensemble; Le cinéaste se concentre davantage sur la dissection de la dynamique interpersonnelle en jeu, explorant quels facteurs informent la décision collective des filles de rester silencieux et parfois de jouer dans le culte de la personnalité de Vitek, que de décrire le traumatisme infligé à tant d’entre eux en partie en raison de ce silence commun. La plupart des acteurs non professionnels peuplent le casting du film; Promazník a cherché à lancer des chanteurs pour s’assurer que la musique de chorale pourrait être jouée en direct, ajoutant à un réalisme froid, presque misérabiliste qui traverse le film. Cela fait sa construction lente, surtout une fois que le drame passe de la liaison de ski à un hôtel de New York où Vitek est enhardi à de plus grands abus de pouvoir – d’autant les plus brûlants. Malgré tout ce film qui ne laisse pas, ses implications sont gravées dans le verre brisé des traits de Falbrová, toujours pellucide et pur alors que la lumière se casse en elle.

«Par amour,” Le type de drame intime et axé sur les personnages est également en concurrence pour le Crystal Globe qui est en stock pour le cinéma français contemporain. Cependant, ses thèmes de maternité et d’appartenance sont traités de manière réfléchie par le cinéaste Nathan Ambrosioni, dont l’approche simple mais sensible est d’autant plus étonnante pour son jeune âge. Aujourd’hui âgé de 25 ans, il a déjà réalisé trois longs métrages; Dans celui-ci, il révèle une acuité émotionnelle au-delà de ses années, à la fois dans son artisanat discret de la mise en scène et du traitement empathique des personnages aux prises avec les chemins inattendus que la vie les a conduits.

Travaillant comme expert en prétend d’assurance, Jeanne (Camille Cottin) est engagée dans cette carrière et n’a aucune envie de parent, après s’être séparé de son partenaire de 12 ans (Monia Chokri) sur leurs stances différentes sur le sujet. Mais après que sa sœur éloignée, Suzanne (Juliette Armanet), arrive à l’improviste à la porte, puis part le lendemain matin, Jeanne se retrouve à s’occuper des deux jeunes enfants de Suzanne: Gaspard de 9 ans (Manoâ de Varvat) et sa petite sœur Margot (Nina Birman).

Qu’est-il arrivé à Suzanne? Où est-elle partie, quand reviendra-t-elle et pourquoi a-t-elle choisi de confier Jeanne à ses précieux enfants? Une note manuscrite, laissée avec une valise et quelques documents essentiels pour les enfants, ne fournit aucune des réponses que Jeanne est désespérée, et la police est loin d’être utile, étant donné la nature volontaire de la disparition de Suzanne. Au fur et à mesure que les jours se transforment en semaines et en semaines en mois, tous les trois commencent à compter avec la possibilité autrefois judicieuse qu’ils ne la reverront plus jamais.

Réunissant avec Ambrosioni après avoir également joué dans son dernier long métrage, Cottin décrit Jeanne comme une femme auto-posée dont la réponse aux actions de sa sœur déniche des angoisses beaucoup plus profondes de solitude et de but, d’autant plus qu’elle recommence à regarder en arrière sur leur enfance pour des indices potentiellement inexistants. Apportant l’élégance mais aussi un avantage lugubre au personnage, la sienne est une performance remarquablement sincère, assortie à chaque tour par deux enfants extraordinaires. Une scène où les enfants répondent aux appels répétés d’un numéro inconnu contient un punch dévastateur, des scintilleurs d’espoir et du chagrin semblant jouer simultanément sur leurs visages.

Avec une attention ravie aux perspectives de l’œil et de l’enfant, Ambrosioni laisse les courants croisés de son scénario d’émotion de son scénario sans trop écraser son public. Au fur et à mesure que les saisons changent, apportant avec eux la formation d’un nouveau type de structure familiale, «Out of Love» montre clairement que ce qui s’est passé est passé; Sa note de grâce d’une résolution est épaisse de regret pour une vie interrompue mais nous rassure qu’un autre, encore riche en possibilité, peut prendre sa place.

Une autre performance de plomb sublime – ce temps de l’actrice norvégienne Pia Tjelta – les terrains «Ne m’appelle pas maman», qui fait écho à certains autres films que j’ai vus à Karlovy varient cette année (en particulier les «rêves» de Michel Franco) dans son exploration tendue du sexe, de la puissance et de la moralité, même si la luxure et la confusion de Knag font une pièce complémentaire intimement intime Détruisez tout sur son chemin.

Tjelta incarne Eva, une enseignante et épouse populaire du maire d’un petit village norvégien, qui fait du bénévolat dans un centre de réfugiés à proximité en partie par compassion pour l’afflux de jeunes fuyant les conflits au Moyen-Orient et en partie pour soutenir la campagne de réélection de son mari. À la maison, elle n’est pas satisfaite, et l’indiscrétion antérieure de son mari a conduit leur mariage à se congeler, bien que l’Eva soit devenue habituée à mettre ses propres besoins de côté pour les autres. Ainsi, quand elle rencontre Amir (Tarek Zayat), une réfugiée et poète en herbe de 18 ans dont le talent l’impressionne – et dont les regards intenses suggèrent que l’intérêt est réciproque – elle a déménagé pour l’aider à recommencer sa vie.

Mais dans le mentorat de ce jeune homme charismatique, à laquelle elle ne semble pas cesser de penser, Eva va plus loin, puis une autre. Bientôt, elle invite Amir à vivre avec eux, et il accepte avec gratitude. Puis, un jour dans la piscine locale, alors qu’Eva essaie d’enseigner à Amir à nager, une autre frontière flou, et ils commencent une affaire passionnée et imprudente. Au début, au moins à ses yeux, cette relation interdite est électrique et affirmant la vie, bien que sa passion pour Amir commence à se répandre en vue. Knag apporte une chaleur langoureuse aux premières scènes de sexe, mais un froid se glisse à la fois dans son cinéma et la représentation de Tjelta alors que le comportement d’Eva devient plus difficile à justifier.

Bien que Knag repousse les limites des sympathies de son public, elle est aussi investie dans le désir féminin et ses contradictions avec un œil clair et curieux. Alors que l’obsession d’Eva dégénère, elle se retrouve dans une lutte glissante pour le pouvoir et le contrôle. Son désir dévorant pour Amir les met tous les deux en danger, mais elle semble impuissante à résister – pour résister à ce qu’elle veut, c’est-à-dire.

Ce qu’Amir veut, et ce qu’il ressent à ce sujet amour fouest une autre affaire entièrement, et c’est celle qu’Eva est incapable de voir clairement. Même si elle aide Amir à obtenir un permis de résidence et à s’appliquer aux programmes d’éducation continue, son soutien devient de plus en plus conditionnel, et quand Amir, vivant toujours avec Eva, commence à sortir avec l’un de ses étudiants, toutes les furies qui ont fait rage à l’intérieur d’Eva Rip destructive sans elle.

«Ne m’appelle pas maman» est complexe, troublant et souvent se tortiller. Une partie de ce qui rend le film addictif est le frisson de la transgression, et la question de savoir jusqu’où Eva peut aller avant que sa vie ne s’écroule. Cependant, la relation d’Eva avec Amir est également incontestablement une violation, une démonstration de l’ego qui prend un adolescent vulnérable dans une situation difficile et l’exploite davantage. Son égoïsme et le déni offert par ses positions de privilège et d’autorité élevées sont entrées en jeu lors d’un troisième acte dévastateur, où les retombées des propres actions d’Eva obligent sa main, liant la dynamique du pouvoir en jeu dans leur relation avec une précision semblable à un scalpel.