L’adaptation est une question de soustraction : James Vanderbilt à propos de « Nuremberg » | Entretiens

Après la Seconde Guerre mondiale, le juge de la Cour suprême des États-Unis, Robert H. Jackson, a mené une initiative visant à créer des procédures judiciaires pour juger les dirigeants de l’armée et du gouvernement nazis, en coordonnant cet effort avec les représentants des autres forces alliées, de la France, du Royaume-Uni et de l’Union soviétique. L’accusation était de « crimes contre l’humanité ». C’était sans précédent à bien des égards, y compris le premier procès international de responsables pour le traitement infligé aux citoyens de leur propre pays.

« Nuremberg », écrit et réalisé par James Vanderbilt, est basé sur ses propres recherches et sur le livre Le nazi et le psychiatrede Jack El-Hai. Le livre suit Douglas Kelley, le psychiatre militaire qui a passé des centaines d’heures à interroger les 22 premières personnes jugées, dont Hermann Göring, deuxième derrière Hitler au pouvoir au sein du parti nazi.

Dans le film, Rami Malek et Russell Crowe, lauréats d’un Oscar, jouent Kelley et Göring, et une grande partie du temps passé à l’écran se déroule dans la cellule de Göring, alors que Kelley essaie de comprendre Göring et que Göring essaie de le manipuler. Dans une interview, Vanderbilt a partagé les conseils qu’il a reçus de David Fincher, comment ses recherches ont modifié l’orientation de l’histoire et ont confié à un inconnu de l’époque un rôle clé.

Vous avez un public qui ne connaît peut-être pas les procès, et surtout à quel point ils étaient sans précédent. Vous aviez donc une lourde charge d’exposition, que vous avez gérée avec beaucoup de grâce, je pense. Comment avez-vous pensé à donner au public le contexte dont il a besoin pour comprendre l’histoire ?

C’est en fait très important pour moi parce que je trouve que beaucoup de films se déroulant à cette époque supposent un certain niveau de connaissance historique de la part du public : « bien sûr, vous savez que Churchill a fait X, Y et Z. » J’adore ce public. Je fais partie de ce public. Mes deux grands-pères ont combattu pendant la Seconde Guerre mondiale. J’ai donc grandi avec ces histoires et j’avais des amis qui ont perdu des membres de leur famille dans les camps. Mais je voulais faire un film pour des gens qui ne connaissaient rien à cette période parce que je pense que c’est tellement important.

Quand je parle de cette période à mes enfants, c’est comme parler de la Révolution américaine. Cela semble tellement éloigné de leur sphère, ce que je comprends parfaitement. C’est ainsi que fonctionne le temps. Cela avance. Il y a eu des débats en coulisses : “Avez-vous besoin de voir cela ? Les gens ne savent-ils pas quelle est la “solution finale” ?” J’ai répondu : “Ce n’est pas le cas de tout le monde.”

Je voulais que ce soit un film dans lequel les gens qui ne connaissent rien à ce sujet puissent se retrouver à zéro, non seulement en apprenant ce qui s’est passé, mais aussi en faisant le voyage émotionnel que traversent les personnages. Je voulais vraiment construire le film comme un thriller. Parfois, vous voyez ces films et vous avez un peu l’impression de prendre des médicaments. Je n’aime pas ça personnellement en tant que membre du public, et aussi sérieux que soit le sujet, je ne voulais pas ça pour ça.

Une grande partie de ce film est composée de deux personnes qui parlent. On n’a aucune empathie, et on en a trop, professionnellement et parfois personnellement. Et ils essaient chacun d’obtenir quelque chose de l’autre. Comment avez-vous pensé à la création de ces scènes ?

C’était l’essentiel pour moi. J’ai commencé avec le livre de Jack El-Hai, qui parle uniquement de ces deux hommes et de leur relation. J’ai été très séduit par l’idée. Voici deux gars. Le personnage de Rami Malek, le Dr Kelly, tente de prendre le dessus sur Hermann Göring. Il essaie également de prendre le dessus sur Kelley et de se demander : “Que vont-ils faire de moi ? Que se passe-t-il ? Dois-je aller au tribunal ? N’est-ce pas ?” Alors, ils essaient tous les deux de se manœuvrer et de se charmer.

Ils finissent par nouer cette relation – je ne veux pas nécessairement dire amitié, mais relation – qui les affecte tous les deux d’une manière qu’ils ne prévoyaient certainement pas. J’ai adoré cette idée. L’une des choses dont nous avons parlé dès le début n’était pas seulement d’autres films sur la Seconde Guerre mondiale, mais « Le Silence des agneaux », qui représente simplement ces deux personnes dans une cellule qui se parlent et s’interrogent mutuellement. L’idée était très, très délicieuse. Et puis vous obtenez Russell Crowe et Rami Malek, et vous les lâchez sur ce matériau et les uns sur les autres. Et c’était, en tant que réalisateur, un tel plaisir de s’asseoir devant le moniteur et de les regarder se poursuivre.

Vous avez passé beaucoup de temps à faire des recherches à ce sujet. Qu’est-ce qui vous a surpris ou intrigué ?

C’était une tonne de recherche, ce que j’adore. Chaque fois que je fais une histoire historique, je veux la rendre aussi résistante que possible. Et je veux savoir s’il y a quelque chose que nous devons omettre ou contracter pour le raconter. Le procès a duré un an, et le film ne peut pas durer un an, donc il faut faire des choix. J’ai toujours voulu m’assurer que c’était un choix et non une erreur.

J’ai commencé avec le livre de Jack El-Hai. Robert Jackson, joué par Michael Shannon, n’est pas vraiment dans le livre. J’ai appris à le connaître grâce à mes recherches et aux efforts qu’il a déployés pour que les essais aient lieu. C’était quelque chose que je ne savais pas : personne ne voulait organiser des essais. Tout le monde voulait juste tirer une balle dans la tête de ces gars et continuer sa vie. C’est comme : « Nous venons de gagner une guerre, alors que faisons-nous encore ? Jackson doit amener les autres pays à coopérer, puis il prend un congé de la Cour suprême et devient le procureur principal. Alors je me suis dit : “Oh, ce voyage est incroyable. Je pensais que mon film était ici, dans la cellule. Mais oh non, il est aussi ici.” Et puis j’ai entendu parler du personnage de Leo Woodall, Howie Triest, dans son histoire. Et je me suis dit : “Oh, mon Dieu, mon film est ici.”

Donc, ce qui m’a surpris en tant qu’écrivain, c’est que cela n’a fait que croître, grandir et grandir, ce qui est également terrifiant car, généralement, l’adaptation est une question de soustraction. Vous avez un livre de 350 pages et vous devez le rédiger en deux heures. C’était donc terrifiant de cette façon, mais aussi finalement incroyablement libérateur parce que je me disais : « Je dois être capable de trouver un moyen de raconter toutes ces histoires, qui se croisent. Et finalement, je pense que le film est plus riche parce que vous traversez tous ces différents personnages et expériences. Cela culmine finalement dans cette confrontation en salle d’audience entre Göring et Jackson.

Vous avez choisi Leo Woodall avant qu’il ne soit aussi connu qu’aujourd’hui.

Léo est incroyable. Et nous avons eu tellement de chance de l’avoir. Je voulais vraiment ce personnage joué par quelqu’un avec peu de bagage à l’écran. C’était très important car il y a une scène assez tard dans le film. Je ne veux pas le dévoiler, mais c’est une scène cruciale où il donne un monologue. Et je savais que celui que nous choisirions devait être capable de livrer ce monologue.

J’ai beaucoup d’acteurs dans ce film que vous n’auditionnez pas. J’étais catégorique avec notre directeur de casting sur le fait que quiconque jouerait ce rôle devrait lire pour cela. J’ai besoin de savoir qu’ils ont cet équipement. J’ai fait venir Leo trois ou quatre fois pour faire cette scène, juste parce que j’avais besoin de savoir qu’il l’avait. Et il l’a fait.

C’était le bébé du casting. Et tout le monde a été impressionné par lui. Je me souviens que Russell et Rami disaient tous les deux : “Qui est ce gamin ? Ce gamin est incroyable.” C’est pourquoi il n’est plus l’inconnu au visage frais que je pensais qu’il était, et j’espère qu’il le sera. C’est un acteur tellement naturaliste. Il est tellement engagé. Il est britannique et il a un accent américain parfait tout en parlant allemand, qu’il ne parle pas, il a donc dû l’apprendre parfaitement phonétiquement. C’est un si grand acteur et un si grand être humain aussi.

Qu’est-ce que le fait d’être réalisateur vous apprend sur le métier d’écrivain ? La réalisation a-t-elle changé votre façon d’écrire ?

Je pense que c’est certainement le cas. Je pense que cela vous aide à comprendre ce que vous n’utiliserez pas ou n’aurez pas besoin. J’ai réalisé mon premier film, “Truth”, il y a 10 ans, et j’ai eu la chance d’avoir Cate Blanchett et Robert Redford dedans. Donc, j’ai été jeté dans le grand bain et j’ai appris que lorsque vous avez affaire à des acteurs de ce calibre et du calibre des acteurs de ce film, vous vous dites : “Je n’ai pas besoin d’un monologue de deux pages. Ils peuvent le faire avec un regard. Ils peuvent le faire en un instant. Cela aide vraiment en tant qu’écrivain de comprendre : “Non, je n’ai pas besoin de ça”. Et évidemment, on découvre aussi des choses au fur et à mesure avec les acteurs. Il y avait des moments où John Slattery disait : « Je n’ai pas besoin de dire cette phrase. Je peux simplement vivre ce moment par moi-même avec un regard. Et c’était comme, oh, super. Fantastique. Alors oui, il est génial dans le film.

Je veux vous parler de la conception de la production, en particulier de la salle d’audience. C’est tellement impressionnant, et tout cela est pratique, n’est-ce pas ? Vous avez construit ça.

Nous avons tout construit dans cette salle d’audience, et elle a été construite à l’échelle. Eve Stewart était notre décoratrice nominée aux Oscars. Elle joue dans des productions hollywoodiennes géantes. Et elle s’est vraiment battue pour cela. Elle a été l’une des premières personnes que j’ai embauchées et je n’avais jamais travaillé avec elle auparavant. Et elle s’est envolée pour Nuremberg, a obtenu les plans originaux et a mesuré la salle d’audience réelle. Cette salle d’audience est à un pouce près de l’échelle réelle. Et c’était à 360 degrés. Elle a insisté pour construire le plafond, ce qu’on ne fait pas toujours dans les films pour économiser de l’argent, mais il y a un plafond absolu dans cette salle d’audience avec de véritables lumières géantes.

C’est un véritable cadeau, non seulement pour le film et pour le voir, mais aussi pour les acteurs de pouvoir monter sur ce plateau. J’en ai parlé à tous, et surtout à Russell et Michael, qui doivent s’affronter. Ils sont distants de 50 pieds. Et c’est pareil. La distance qui séparait Göring et Jackson lors du contre-interrogatoire. Et elle a également construit la prison à l’échelle ; les cellules ont la même échelle. Tout cela était pratique. Et en tant que réalisateur, chaque fois que vous pouvez le faire de manière pratique et immerger les acteurs dans ce monde, je pense que cela rapporte d’énormes dividendes.

Pourquoi était-il important pour vous de montrer les véritables images des camps de concentration qu’ils ont montrées lors du véritable procès ?

C’est une question d’exactitude, mais aussi, je pense qu’il était important d’honorer ce qui s’est passé. Dès la première ébauche du scénario, j’ai décrit ce que nous allions montrer, et notre premier AD nous a demandé comment nous allions tourner les images. J’ai dit : “Nous ne tournons rien. Nous allons montrer le vrai contenu. Et nous n’allons pas mettre de musique en dessous.” C’est la véritable narration sur les images. Nous voulions montrer les mêmes images qu’ils ont montrées au tribunal. Nous n’en montrons qu’environ cinq minutes. En réalité, ce film dure près d’une heure.

J’ai dit aux acteurs : “Écoutez, ces images sont là, les choses qui sont décrites dans le scénario. Je sais que vous faites tous des recherches. Faites-moi une faveur. Ne les regardez pas parce que je veux qu’elles soient fraîches pour vous le jour même.” Et puis le jour de notre arrivée, nous avons installé l’écran. Nous n’avons pas fait d’écran bleu. Nous avons en fait apporté le projecteur, installé quatre caméras dans la salle d’audience sur nos quatre pistes et avions 300 figurants chaque jour. Alors je suis sorti et je leur ai dit : « D’accord, voici ce que nous faisons aujourd’hui et voici ce que vous allez voir. Et ça va être dur, mais c’est très important pour l’histoire et pour le film. Nous avons eu une minute de silence, puis avons projeté le film. Je ne veux pas dire qu’aucun jeu d’acteur n’était nécessaire, mais vous pouvez voir sur leurs visages ce qu’ils ont réellement vécu en le regardant. Honnêtement, c’était la journée la plus difficile sur le plateau. Mais je pense que c’était une chose essentielle pour nous. Et je voulais que le public vive la même expérience que les personnes présentes dans la salle d’audience ce jour-là.

De quoi voulez-vous que les gens parlent en rentrant du théâtre ?

Il faut avoir les hauts pour avoir les bas. Il faut parfois rire pour pouvoir pleurer. Je pense que c’est notre expérience de la vie. C’est important pour moi que le film vous donne ce sentiment.

J’ai travaillé avec David Fincher il y a des années, qui est un brillant cinéaste et quelqu’un que j’admire vraiment, et il m’a dit quelque chose qui m’a toujours marqué : « Les bons films vous font poser des questions, mais les mauvais films vous donnent toutes les réponses. » J’espère que c’est un bon film et qu’il amène les gens à se poser des questions.